表演能力范文12篇(全文)

表演能力范文（精选12篇）

表演能力 第1篇

关键词：杂技表演,能力提升

杂技包括很多项内容, 例如品质、走钢丝、动物戏法、戏法地、空中飞人等等, 通过杂技演员的表演, 给观众带来视觉与听觉的双重享受。而想要完成这些高难度的表演, 需要相关的表演人员具有非常高的心理与身体素质。本文从表演人员自身及市场两个大方向来分析, 探究提高杂技表演能力的方法。

一、表演人员

1. 身体素质

良好的身体素质是杂技表演人员提升杂技表演能力的关键所在。与其他职业一样, 拥有一个良好的身体素质非常重要, 甚至应该说, 其重要性超过其他的职业。通常来说, 杂技表演人员的身体素质包括以下内容:耐力、速度、柔韧性、反应怀, 其表演的内容常常是与身体素质息息相关的。因此, 提升他们的身体素质是最基本的工作。

如果杂技演员的身体素质有一些不到位的地方, 那么会容易引起技术上的失误, 甚至还有可能会导致身体的伤害, 在练习或表演中受伤。比如说一个演员的肩膀柔韧性不足, 在练习中就算运作是正确的与容易拉伤;可是在快速起跳时, 由于跟腱的弹性不足, 也会容易造成断裂或拉伤。

2. 心理素质

伴随杂技的不断发展, 在各大舞台上都出现了大批不错的作品, 都是对传统杂技的改良的。将技、艺有纲结合, 展现出具有内涵的表演。所以, 在杂技训练当中, 每个类型节目的训练都各有特点, 对于他们来说, 要掌握好一个节目的演出, 也是他们最大的心理愿望。但是, 不同演员对节目兴趣不同, 对作品的理解与感觉与不一样, 在这样的情况下, 杂技演员就要良好的心理状况。比如:在中国的传统杂技中, 有着大量的生活工具的运用, 如盘、碗、伞……等等, 这些工具的使用让杂技充满了生活的味道。而且多数杂技表演都是集体式的, 节目的成功与否关系到这一个集体中的所有成员。因此, 对于杂技表演人员而言, 他们所要承受的心理压力也是非常大的。如果在表演中, 有一个演员出错或是动作不协调, 一定人影响到整体的效果。因此, 这样就要培养他们和谐的心理状态, 在平常的时候要多为他们做训练。当某一节目在安排演员训练后要分段进行要求, 让他们准确熟悉节目的组成、过程, 之后再将每个部分的技巧进行巩固后串通。这样训练也可以大大增加杂技表演人员的自信心, 让他们可以带着良好的心理状态在舞台上放手、大胆的表演。

二、环境与市场

1. 舞台环境的创设

杂技经过多年的发展, 已和原来的街头杂耍不同, 成为了一门真正的艺术。传统的杂技如果想要符合市场及大众的需求, 就一定要找到自己的突破点, 改变节目的包装形式。对原来独立的节目进行有机融合, 联合, 把表演人员、音乐、服装、歌舞、道具等各个舞台的元素与情景相合融合, 开展有故事情节的表演, 运用现代科技, 把光、电、声等舞台效果也情节进行融合式设计, 给大众一个全新的观感感受。打造出一个让人也融入舞台境界。

2. 市场需求分析

随着社会的不断进步、发展, 当前人们的生活方式、内容都发生了一定的变化, 观众进入剧场, 不单希望看到欢乐、轻松, 也希望可以感受到杂技所一路带来的艺术美感。如果单单依靠高难度来吸引观众是远远不够的, 而是需要适应市场需求, 与时代发展一起进步, 不断创新, 让杂技表演更加具有时代感。将杂技表演转变成一个具有灵魂的、有主题的作品。

只是在很长一段时间内, 因为无法展现具有艺术性的作品, 杂技在各大表演系的竞争中慢慢失去了地位, 从而大批观众流失。而且, 国家市场也没有相关的拉动消费政策, 在一定程度上影响了其发展的前景。

3. 创新分析

早在2011年, 杂技剧《天鹅湖》就有着最美杂技及最危险芭蕾在国际杂技艺术节开幕式上大受欢迎。由此可此, 创新也是提升表演能力的一个潜在动力因素。杂技要不断与其他的艺术进行融合, 展现全新的视角。

实际上, 伴随着经济全球化的发展, 杂技市场更是如此, 应该也与国际接轨, 在中国传统杂技的基础上不断创新, 多开发具有自己特点的节目来应对市场的需求。比如, 杂技现在走也民族融合的道路, 例如《金色西南风》是反映中国西南少数民族的, 将其文化与风俗相互结合, 在编排上进行创新, 在表演上也追求新、美。之后还有一系列的综合艺术性强如《玄光》《龙狮》等等, 而这些, 都为现代杂技增添了许多活力。

三、结语

综上, 为了提升杂技表演的能力, 不单单要从表演人员自己入手, 加大身体与心理方面的锻炼, 在具有良好了的身心素质后, 对市场进行分析, 以创新的态度拓展杂技的表演与生存空间, 为演员能力的提升提供新血液。

参考文献

[1]杨志兴.浅议杂技编导的作用[J].科技致富向导.2011 (12) .

[2]张雪梅.杂技演员心理素质[J].青春岁月.2013 (14) .

优秀影视演员应具备的表演能力 第2篇

摘 要：作为影视表演中的重要参与者, 演员一方面作为剧本中人物的扮演者, 另一方面也是影视艺术的最直接呈现者。在很多时候, 一部影视剧能否成功, 一方面取决于剧本的优劣, 另一方面便取决于演员自身专业修养的高低。作为演员, 为了能够在演绎的过程中更为生动传神地演绎扮演的角色形象, 加强其自身专业修养的培养与锻炼意义重大。当下, 演艺圈所盛行的颜值为王, 实际上是对影视艺术的一种亵渎。作为一名优秀的演员, 决不能仅仅拥有好看的外表, 很多时候更需要修炼自身“有趣的灵魂”。这里所指的有趣灵魂, 实际上也就是演员自身所需具备能力的培养。本文以此为基础, 就影视表演演员自身所需具备的素养与能力展开探析, 旨在以此为基础, 为今后相关工作的开展提供积极的参考。

关键词：影视演员; 专业素养; 能力简析;

引言

众所周知, 一名合格演员的培养过程烦琐且冗长。其中最为关键的内容便在于对演员所必备素养的锻炼, 这是一名演员的灵魂, 同时也是一名演员必须具备的创造素质。通过对生活中的点滴小事进行观察与体会是一名演员艺术创作的源泉。当一名演员具备了稳定的注意力, 那么在其创作上便会有效的体现。同样, 活跃的想象力也是演员的表演行为更加形象生动的根源。演员自身对于角色的感受与体验是决定其能更快地适应进入角色的重要保障。而判断力则决定着演员在表演过程中面对周边环境实时变化, 能否做出有效准确的反应。同时, 适应力也是演员能够快速适应角色本身心理变化及情感活动的前提。最后便是演员对于角色的形体表演以及语言表现力, 之前的素养属于一名演员的“内功”, 而形体表演以及语言表现力则是一名演员素养的直接体现。下文便结合实践, 就演员必须具备的以上能力予以逐一阐述。

一、敏锐、细致的观察与发现能力

演员自身对于生活的观察与沉淀是其能够快速地理解角色的根源所在, 通过对生活的细致观察与感受, 能够使演员更为直接有效地接触到角色的核心灵魂与情感。例如, 电影《重返20岁》中, 主人公在七十岁高龄的时候去照相馆照了一张照片, 然后梦幻般地回到了二十岁。让一名年轻的演员去饰演其未曾经历过的年龄段, 这是对演员最大的考验。这不仅要求演员具备丰富的想象力, 同时还需在日常生活中密切关注与揣摩老年人的行为举止, 就一名老年人的日常起居等诸多琐事, 例如其爱好、饮食习惯、思想及行为举止等内容进行模仿与学习。这便要求演员在日常生活中进行细致的观察与体会, 在观察的同时逐步洞察人物的思想与感觉。从日常的生活与感受中体会人物形象的内在, 这便是一名演员所必须具备的基本能力。

二、稳定的注意力

演员在影视剧的表演过程中, 实际上也是一个对任务角色进行创作的过程。在这个过程中, 演员自身的注意力在一定程度上受意识的支配与影响。所以, 在创作过程中, 要求演员将注意力关注于角色本身, 同时随着剧情的发展进行拓展与延伸。如果在这个过程中演员无法做到全身心的投入到角色中, 那么其对所扮演的角色便是一种强制性的关注, 而这种关注是没有灵魂的, 也就没有办法演绎出角色本身的神韵。现在很多演员在演绎的过程中看似十分投入, 实际上其对于角色的注意力却是停滞的, 其自身没有与行为相关联, 这在与其他演员的交流过程中也无法达到理想的效果。所以, 对于演员而言, 注意力的集中与稳定是其最基本的要求, 只有如此才能在表演与创作过程中真正做到有效地感受角色与内容。

三、活跃的想象力

想象力是一个演员是否能够达到传神表演的重要因素, 同时, 作为演员, 其自身的想象力也更具有灵活的行动性。例如着名美国电影《阿凡达》, 现在所呈现在我们面前精彩纷呈的画面, 实际上很多都是由后期制作来实现的。而作为演员, 其在表演的过程中, 面对的可能就是冰冷的道具与环境。所以, 在这个时候, 想象力的重要性便可想而知。只有具备了丰富的想象力, 才可能为行动的付诸提供条件, 继而呈现出生动、真实的镜头画面。亦或是在美国电影《灰姑娘》中, 剧情中灰姑娘的南瓜车是由南瓜变成的, 而在表演的过程中真实的拍摄场景可想而知。这就要求演员通过自身的想象以及对角色的理解, 表现出真实的在看到魔法后的反应与表现。这也再次强调了想象力对于演员的重要性。

四、真挚细腻的感受与体验能力

所谓感受与体验能力, 是指演员在虚拟环境中对于角色经历的感受与再现。这一方面要求演员能够真实地予以体会与感受, 同时还应就客观事物所带来的刺激进行接受与反馈。同时, 在影视剧的表演过程中, 这种感受的表达并不是片刻的, 更多时候是一系列的接连不断的。例如之前上映的国产电影《亲爱的》, 这部电影本身便是由真实事件改编。演员黄渤作为剧中的演员, 为了能够感受到角色内心的真实感受, 就真实事件的录像进行了反复的观感, 以此深切地体会当事人的感受与情绪。同时对整个事件的每一个细节进行回味与感受, 最终演员彻底地融入到了角色之中。就实际的表演效果而言也精彩异常。这便是一个演员核心素养的体现, 黄渤也无愧于金马影帝的荣誉与称号。由此我们不难发现, 作为一个演员, 其能够演好角色的基础便是具备细腻的感受与体验能力, 只有如此才能在表演的过程中感受到人物本身的鲜活, 继而保证每一个演绎的角色都具有其独有的特质与灵魂。

五、真实准确的思考判断力

由于演员在表演的过程中, 其所处的环境大多是虚拟的, 作为演员其在知晓了剧情与角色本身的所有经历之后, 仍需在特定的.步骤内演绎角色实时的状态, 这便需要演员自身具有思考与判断能力。这对于角色节奏的把控, 对于情节氛围的营造都至关重要。在不同的剧情下, 演员需就此时此刻的心理活动予以明晰, 同时就相对应的情境变化进行感受与判断。我们也可以理解, 作为演员, 在对人物形象进行创造的过程中, 需要以角色为核心, 想角色之所想, 忧角色之所忧。

六、良好的适应力

作为演员, 其在不同的剧本中必定饰演不同的角色。而在对不同人物的刻画过程中, 良好的适应能力可以使得演员在表演过程中如虎添翼。通过对不同剧情设定以及人物内心的体会, 在适应力的保障下真实再现角色本身的思想感情与心境。同时, 在角色内在情感交流的过程中, 也需要具备较强的适应力。通过适应力可以在紧随情景的变化以及周边人物的行为作为实时的反映, 以此展现人物的形象与性格。作为一个演员而言, 如果其不具备充分的适应力, 意味着其饰演的角色注定了无生机以及具有鲜明的脸谱化。就像当下很多的当红小生, 在所有的影视剧中所饰演的角色都给观众一样的感觉, 这便是其自身缺乏对于角色适应的最佳体现。所以, 作为一名演员, 良好的适应能力必不可少。

七、生动的形体与语言表现力

亦如上文所述, 作为一名演员, 其需要就角色的内心与经历予以体会, 需要就自身的适应力与感知力予以培养。而这些实际上都是为了最终的表演环节所准备的, 在具备了以上的优良素质之后, 才有可能演出生动形象的角色。而作为演员的最后一项基本能力, 生动的形体与语言表现能力同样至关重要。这是因为, 在角色的演绎过程中, 既需要细腻丰富的内在感受, 同时还需要生动精准的外部体现。只有如此才能将角色形神兼备地呈现在观众面前。当下的影视院校将学生的形体与语言表现力予以了高度的重视, 在专业的学习过程中, 就这一环节也予以了充分的教授与引导, 由此不难发现, 形体与语言表现力对于一名演员而言的重要性。

八、结语

影视剧作为一种特殊的艺术形式, 其对于演员本身的专业素养有着较高的要求。当下正处于影视剧行业高度繁荣发展的时期, 加强演员专业素养的研究与分析显得尤为重要。当下, 受制于多种因素的影响, 参与影视创作的演员的专业素养参差不齐, 这显然不利于行业的发展。本文以此为基础, 就一名影视剧演员所需具备的基本能力予以探析, 旨在为今后相关工作的开展提供积极的参考。

参考文献：

[1] 杨建.浅析戏剧影视表演人才培养的现状及其发展[J].教育:文摘版:00332-00332.

[2]庄虔华.论戏剧演员外部形体动作表现力的建构[J].齐鲁艺苑, 2016 (6) :84-90.

[3]王博.初探电影表演教学中的片段教学阶段——演员从“自我”到“角色”的蜕变过程[J].青年文学家, (30) :82-82.

[4]席琰妍.论影视表演中演员应具备的能力[J].艺术教育, 2016 (3) :125.

舞蹈表演中的控制能力 第3篇

关键词：舞蹈表演；控制；舞蹈演员

中图分类号：J712 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）06-0037-01

一个优秀的舞蹈艺术表演人员需要具备的能力有很多，控制能力是舞蹈艺术表演人员必须要具备的能力，对于舞蹈表演的成功性有着决定性的影响。控制能力更加细致的划分可以分为，舞蹈艺术表演人员对于自身字体和气息的控制，对于自身内在情感的控制；对于音乐节奏的控制等。这些内容都是有着紧密联系的，若是舞蹈演员并不具备这些控制能力，那么，就很难将舞蹈艺术作品优秀的展现出来，得到观众的肯定，下面就对相关内容进行详细的叙述。

一、肢体与气息控制

（一）肢体的控制，力量的无限表达。

舞蹈艺术表演人员对于肢体的控制，首先需要做的就是解决肢体幅度和素质能力，是建立在舞蹈演员具有扎实的舞蹈基础之上的，肢体幅度指的就是舞蹈艺术表演人员身体的柔韧度，舞蹈演员的素质能力值得就是舞蹈演员跳转翻的能力，这两方面内容都是舞蹈艺术表演人员必须要达到的标准。在舞蹈艺术表演人员的训练初期阶段，需要通过压腿、下腰等多种非常严格训练方法，使得舞蹈艺术表演人员的身体幅度能够达到最大化，并且依据舞蹈艺术表演人员的天生条件进行素质的训练，对舞蹈艺术表演人员具有的素质能力最大限度的挖掘。以往情况下舞蹈艺术表演人员需要依据表演作品的实际需求，逐渐的掌握如何的应用身体的幅度和自身具备的素质能力，但是这并不意味着舞蹈艺术表演人员对于每一个舞蹈动作做到最大幅度，跳跃到自身能够跳跃的最高点，就能够将舞蹈作品更加良好的表现出来。舞蹈作品都是需要通过肢体动作进行呈现的，所以，舞蹈艺术表演人员必须要对自身的舞蹈动作线路和力量进行有效的控制，这样才能够将肢体动作具有的美感良好的呈现出来[1]。

（二）气息的控制，肢体的生命动力。

呼吸是人的生命活动，同时呼吸也能够赋予舞蹈生命力。舞蹈艺术是应用身体动作进行艺术表现的，舞蹈艺术表演人员想要使得自身的舞蹈肢体动作能够具有生命力，同时具有延伸的力量，侧重点在于舞蹈艺术表演人员是否能够使得自身的气息与肢体动作相契合，从而最对舞蹈作品进行表演，将舞蹈艺术作品具有的中心思想更为良好的展现出来。在舞蹈艺术表演的过程中，舞蹈艺术表演人员呼吸的大、小、快、慢以及呼吸节奏的交换，都是需要根据舞蹈艺术表演中肢体动作的展现进行控制的。若是舞蹈艺术表演人员不能够对呼吸进行有效地控制，那么舞蹈表演就如同动作的堆积，没有任何的生命力可言，使得观众不能够感受舞蹈艺术的魅力，这样的舞蹈表演可以说是非常失败的。

在舞蹈艺术作品进行表演的过程中，有时会出现连贯性很强的舞蹈动作，有时也会出现肢体动作进行静止定格的画面。想要使得舞蹈动作具有质感，舞蹈艺术表演人员的呼吸有着关键性的影响。肢体在运动的过程中，其具有的模式并不是像某个机械设备进行死板的运转，而且需要依靠人的呼吸对其进行调节的。例如舞蹈艺术表演人员进行连贯性很强的舞蹈动作处理时，必须要配合相应的呼吸吐纳节奏，不仅是为了能够为运动的舞蹈动作进行充氧，同时也使得舞蹈肢体动作能够具有生命力，还能够要舞蹈艺术表演人员感受到自我生命的存在[2]。

二、情绪和情感的控制

情绪和情感控制对于帮助舞蹈艺术表演人员塑造舞蹈角色有着不可忽视的影响力，一个舞蹈艺术表演人员想要将角色更加生动形象的表现出来，那么就必须要学会情绪和情感的控制。舞蹈艺术是应用肢体动作作为情感表达的媒介，使得观众能够感受到舞蹈艺术表演人员想要传到的情感，使得舞蹈艺术人员与观众的精神世界能够引起共鸣。所以，首先需要做的就是对于情绪进行认知，情绪就是人对于认知内容产生的不同态度，其次就是需要了解情绪产生的原因，从而在情绪产生的过程中进行自我感受，根据自身的实际需求去完成对于情绪的体验。

（一）建立情感的积极性。

想要成为一名出色的舞蹈艺术表演人员，或者是想要被人们称之为舞蹈艺术表演家，那么就要坚持在任何时候都不能忘记自我，要以自身的情感为主，去进行舞蹈艺术的创造，将自我忘记也就等于灭绝了自己的创作之路。舞蹈作品中的角色为舞蹈艺术表演人员的情感指明了方向，舞蹈艺术表演人员需要依据角色指定的方向进行情感体验，培养自身具有的情感，并且注重情感的积累。

（二）以需要为原则的演员体验。

舞蹈艺术表演人员对特定的情景进行实际体验，只有将作品的情感需求转变为舞蹈艺术表演人员自身的情感需求，这样对于舞蹈作品角色的体验才能够成为具有真实性、创造性的体验，从而使得舞蹈艺术表演更加的生动形象，舞蹈艺术表演人员需要根据作品的需求对自身的情感进行控制，舞蹈艺术作品的表达变为舞蹈艺术表演人员自身的需求。

对于舞蹈艺术表演人员情绪、情感控制的培养需要应用直接和间接的经验对于舞蹈艺术表演人员进行启发。舞蹈艺术表演人员需要明确情绪和情感的控制对于舞蹈作品的表演成效有着直接性的影响。如果在实际表演过程中对于情感不能够进行和有效的控制，那么很有可能会导致舞蹈表演不能将作品需要表达的中心思想全面的展现，人物形象不够鲜明。因为每一个舞蹈艺术表演人员他们的生活环境、成长经历都具有很大的差异性，会使得一些舞蹈表演人员的直接经验较少。舞蹈艺术表演人员自身情绪、情感的控制，对于自身的经验回顾是有着很大联系的。例如舞蹈表演中需展现悲伤情绪，如果舞蹈艺术表演人员有着相应的情绪经历，那么悲伤的情绪就会快速的对自身进行感染，使得自身可以更好的对舞蹈角色进行诠释，使得自身与情绪满足作品的需求。

结语：控制能力是每一个优秀的舞蹈艺术表演人员都需要具备的能力，其中包含的内容众多，包括对于舞蹈肢体动作还有呼吸的控制，还有自身情绪情感的控制等众多内容。舞蹈艺术表演人员只有具备这些控制能力，才能够使得舞蹈表演更加生动形象，更加具有生命力，才能够要观众感受到舞蹈艺术的魅力。

参考文献：

[1]王盛峰.论舞蹈表演中的控制能力[J].北京舞蹈学院学报.2011（1）：42-44

[2]宋文鹤.舞蹈艺术的表演控制能力分析[J].大众文艺.2015（4）：170

表演能力 第4篇

一、影视表演专业课程设置的意义

随着时代的发展, 影视领域不断发展, 影视表演艺术规则逐渐独立于大表演艺术理论体系, 促使影视教学更加专业化。 这就要求我们要研究当代国内外先进的影视表演理论, 力求使影视镜头教学这门课程建立在坚实而科学的理论基础上。 在确保镜头教学的实效性、趣味性的同时使之具有可操作性, 要密切关注国内国际迅速发展变化的同类学科, 把镜头教学同培养学生积极的思考、质疑和解决问题的能力相结合。

二、影视表演专业课程设置与表演能力的培养

(一) 专业课程对影视表演能力的培养

表演能力的高低决定着一部影视作品的成功与否。因此, 对学生表演能力的培养是影视表演专业课程设置的重点。培养目标与课程设置是紧密结合的, 根据课程的设置, 影视专业课程设置以培养演员基本能力和表演实践能力以及创新思维能力和思辨能力为主。

(二) 表演能力是影视表演人才的重要法宝

现今大多数的院校都已经开设影视表演专业, 注重直接为舞台服务的影视表演人才培养。所以, 学校在培养影视表演人才的课程设置上也需要与时俱进, 跟上时代的脚步, 更加注重通过演员内心世界的情感培养来提高表演能力。

三、影视表演专业课程设置

专业院校的培养目标是培养专业型人才, 北京电影学院、 上海戏剧学院、浙江传媒学院在课程设置上就体现了这一点。

北京电影学院其表演专业有两个方向, 表演创作与表演教育方面。上海戏剧学院表演专业也有三个方向话剧表演专业、影视表演专业和音乐剧表演专业;中国戏曲学院设置的表演类专业更加偏重戏曲方向, 如戏曲表演、布袋木偶表演等。 上海戏剧学院除了同中央戏剧学院一样对表演、导演、主持做了区分, 对表演的细分更是众院校之最。浙江传媒学院表演系归在电影学院, 表演 (影视) 专业、表演 (歌剧) 专业并于音乐学院下。

在影视表演专业中, 浙江传媒学院就有其独特的地方, 在专业上比较明确, 且学制四年, 这与国外学制一样, 但是, 浙江传媒学院在课程设置上却不同:前两年基本都是通识课程和表演理论, 如:台词、形体。在教学内容上, 主要以表演训练为主。在第三年, 课程主要是留在鉴赏方面的影视理论, 而训练也是以短剧排练和公演两方面为主。第四年, 主要以实践为主, 让学生接触以校内拍摄为主的短片角色。但是, 毕业作品仍以舞台戏剧为主。这种培养方式比较适合培养影视演员。 但这种以戏剧表演教学为主来培养影视表演专业的教学模式, 存在一定的复制性, 所以在中国影视表演专业建立完善的教学模式迫在眉睫。

四、专业主课程设置在影视表演能力培养方面的优势

专业主课是影视表演专业课程方案中新增的课程, 包括戏剧表演理论课、形象塑造剧目课、情感性民间舞课。通过课程开设, 有针对性地培养学生的影视表演能力。

(一) 戏剧表演理论课

戏剧表演理论课旨在指导学生如何去把握人物形象。在理论指导实践时, 使实践摸索的过程缩短, 以使学生能够更好地对作品内容进行诠释。戏剧表演理论课中提及灵魂能够使演员置身于场景中, 也只有把情感带入到表演中才能使作品具有灵魂。因此, 借鉴戏剧的训练模式和方法并运用到影视表演中, 让学生更好地体验到角色的内心活动, 然后通过丰富的语言表现出来, 才能使表演艺术更加富有活力和真实性。

(二) 情感性民间舞课

情感性民间舞是加强学生对自己身体的认知并从情感的角度训练学生的身体表情。情感性民间舞课程会以不同的情感分类, 通过多种情感表达赋予学生不同的内心感受, 从而在肤体上展现出不同的表情特点, 加强学生对自己身体的认知能力, 深入了解身体各部位的表达。在这个过程中也能了解到自我的优势与劣势, 充分发挥优势, 加强训练劣势, 使身体的表情更加丰富, 表演能力才有实质意义的提升。情感性民间舞课程的设置能使学生把对民族情感的理解、对审美情感特点的捕捉, 通过自己的理解表现出来, 凸显出自己的情感性特点。

(三) 形象塑造剧目课

形象塑造剧目课, 是对角色形象的塑造, 是学生根据影视角色, 运用所掌握的表演知识塑造出直观的、生动的角色形象, 只有深刻理解了角色, 表演才能够达到理想的效果。此课程是建立在剧目排练课的基础上, 塑造、刻画典型人物性格, 以及拟人化的影视作品。课程的设置能使学生在多样化的形象诊释中, 懂得如何使内心与动作达到统一, 情感体验与表现相结合, 能具备塑造影视形象的表演能力。

五、结语

随着社会的不断发展与变迁, 市场对影视表演人才的要求也提升了, 演员相互之间的竞争也更加激烈了, 根据社会实际情况, 学生的表演能力培养成了重中之重, 所以专业培养目标定位需更加明确, 课程设置也需更加完善, 使课程内容能够在学生表演能力的培养中发挥重要作用。影视表演专业应培养什么人才, 能否将影视表演专业学生输送到各地区的专业文艺团体任演员, 课程设置与内容发挥着重要作用, 因此课程设置是培养学生影视表演能力的重要方式。

摘要：对于表演专业课程设置, 学院根据各课程开设的合理性、课程开设的先后顺序以及课程之间衔接有序的原则安排表演专业课程。课程的内容符合表演专业的主要知识、主要方法及时代发展的要求, 这样才能使学生通过课程的学习与训练获得表演专业所具备的知识和能力。所以, 科学的课程设置对教学质量的促进, 具有不可估量的作用。

关键词：表演能力,大学本科,课程设置

参考文献

[1]王翔.教学方法探讨[M].黑龙江:黑龙江教育出版社, 2010:68-72.

[2]孟飞.教育哲学通论[M].山西:山西教育出版社, 2009:180-182.

表演能力 第5篇

一表演能力与艺术素质培养在声乐教学中的地位

文化艺术学校声乐教学目标在于培养学生规范的专业声乐技能，为学生考取高等音乐院校等专业发展方向打下坚实基础。而声乐课程专业性较强，其对于巩固乐理知识、视唱知识以及审美教育起着重要作用。作为教师，需要结合学生学习发展目标以及市场需求明确教学思路与模式。从学生发展来看，无论是考取高等音乐院校或是未来就业，都需要拥有会唱、会演、会练以及会教等多方面技能。因此声乐教学必须要注重多元化发展，重视舞台表现、情感把握、心理素质等多元化知识教育，培养学生的综合能力。而表演能力与艺术素质培养则是重中之重。表演能力的培养是提升学生艺术实践能力的重要保障。声乐教学目标不仅需要学生具备较为扎实的声乐基本功，也需要具有一定的艺术表现力，这也对学生的表演能力提出了较高要求。表演能力的培养是引导学生声乐理论与实践结合的重要内容，更是培养学生应用与创新意识的有效途径，只有在教学实践中加强对学生形体、语言等表演能力的培养，做到有针对性地锻炼与学习，才能够促进学生不断提升自身的艺术实践能力，掌握扎实的表演能力，减少舞台表演的畏惧心理，进而更利于学生为后续高考等专业发展打下良好的基础。同时，艺术素质的培养也不容忽视。美学理论家泰勒说过：“只有技巧毫无意义”，对于学生而言，声乐表演学习中要表现出艺术美感、塑造形象、传递思想，除了具备优秀的基础技能与表演能力，更需要具有对艺术的深入理解以及一定的艺术文化积累，而这些都离不开艺术素质的培养。只有加强艺术素养的培育，才可进一步提升声乐艺术领会与创作能力，才能够通过自身对作品的领悟做到重新诠释。因此，艺术素养的培养无疑对学生高考以及专业发展有着重要意义。

二声乐教学中表演能力的培养方法

1.搭建平台，引导学生展示

教学实践中可发现许多学生缺乏表演信心，被动消极，存在羞怯心理。因此，教师需积极搭建平台，引导学生敢于表演，锻炼与展示表演能力，加强对学生的激励，逐步培养其声乐表现的自信心与主动性。首先应提升学生的舞台表演意识，教学中需适当融入舞台表演等相关课程，使学生有更多与舞台接触的机会；教师也需多鼓励学生参与各类艺术实践与文艺比赛活动，多为学生创设舞台机会，锻炼其表演能力，通过舞蹈以及器乐等相关表演活动，如组织小型音乐会、小型歌唱比赛等，引导学生舞台表演实践，训练学生临场表演与发挥能力。同时在师生互动与交流中构建起宽松的声乐学习氛围，使学生能够更自主、投入地学习声乐。如嗓音条件比较好的学生，可多给予其演唱的机会；口才较好的学生，让其多展示语言表达能力。此外，教师应积极融入学生中，加强与学生之间的互动与交流，如与学生互动进行音乐游戏，加入学生一起唱歌、合奏等，提高学生学习热情，同时在互动参与中不断从发声技巧、气息应用、肢体表现等表演能力方面加强指导，引领学生从声乐作品情感、速度以及力度等各部分加强体验，注重言传身教，让学生产生情感共鸣，受到鼓励与感染，进而在潜移默化中提高声乐学习自主性，提升声乐表演能力。

2.强化训练，提升表演技能

幼儿音乐表演能力培养策略谈 第6篇

关键词：表演能力；培养策略；表演体系

幼儿音乐表演能力的培养不需要开展系统化的教学课程，而幼儿处于身心飞速发展初期，他们的好奇心和模仿能力都比较强，所以，教师和班主任老师不用耳提面命进行滔滔不绝的抽象理论说教，要从侧面进行积极鼓励，引导孩子们能够自由地展现，完成表演能力的培养。鉴于此，笔者通过本文分析了幼儿音乐表演能力培养的重要性，对如何立足幼儿实际学情进行有针对性的表演能力培养进行讨论与研究。

一、幼儿音乐表演能力培养的重要性

幼儿学习了音乐，会唱歌、会舞蹈、会简单地使用乐器这些都是基础能力培养，做为幼儿音乐教师和幼儿园班主任必须要管理孩子能够将所学的音乐表现出来，最终形成表演能力。这种表演能力就是要求幼儿能够自由、自主地进行音乐表演活动，并能够在表演过程中展现出个人的舞台魅力。幼儿音乐表演能力培养其意义在于：

1.能够激发幼儿学习音乐的兴趣

表演能力的培养过程中，教师带领孩子们在音乐区域中摸摸、敲敲、打打、动动、玩玩、跳跳，展现他们各自的表演才能。在这个过程中孩子们充分感受到了音乐表演后家长和老师的认可，个人的能力得到最大的认同，内心特别充实。

2.能够潜移默化影响孩子的艺术感受能力

音乐表演过程中，孩子们要动态地去展现音乐内容，面带笑容、和谐组织身体语言，与小伙伴配合表演等等，这些基本的舞台技巧都让孩子们感受到音乐表演声情并茂的高超艺术境界。

3.能够锻炼孩子对音乐的直观感受

音乐不是简单的“听”和“唱”，在音乐感受过程中，孩子们会不由自主地感受相关动作。

二、幼儿音乐表演能力的培养策略

1.动作表演，抒发表演

教师不难发现，在聆听音乐，演唱歌曲的过程中，孩子们会不由自主地动动小手，跺跺小脚，这就是幼儿投入到音乐氛围之中的表现。教师要利用这种自然表现欲望，让学生能够主动地通过动作表演，抒发表演情感，最终从自然变为主动，从主动形成动作（舞蹈）表演能力。而这个漫长的过程中，教师首先要鼓励学生可以随着音乐自由动作。例如：教学歌曲《好朋友》时，教师就可以让学生跟着有节奏的音乐自己动手，跑跑跳跳都可以，教师则要根据音乐节奏进行拍手，以轻松的姿态引导孩子们随音乐起舞。其次，教师要利用多媒体技术鼓励孩子形成主动舞蹈表演的能力。例如：教学《花蝴蝶》前，教师利用多媒体技术播放花蝴蝶的动态景色，然后再播放小女孩像花蝴蝶一样的舞蹈内容，这时小朋友自然而然地随着屏幕上小女孩的动作起舞，让简单的飞舞动作变成了全体小朋友最喜欢的舞蹈。总之，在动作引领之中，孩子明白了音乐表演能力的主要内容，能够根据音乐发挥想象力和创造力，运用多种身体动作来表达自己对音乐的理解，发挥音乐的功能帮助幼儿快乐地学习舞蹈，从不同的角度迫使孩子拓展思维。

2.故事表演，形成表演体系

音乐也有比较系列的知识系统，艺术世界是十分丰富多彩的。对幼儿来说，只要掌握一些粗浅的知识就可以了，更多的是要培养学生对音乐的兴趣，形成欣赏音乐，展现音乐魅力的能力。对幼儿来讲，他们更喜欢有故事的音乐内容，因此，为了培养学生的音乐能力，教师要组织孩子们进行简单的音乐剧表演，在这个表演过程中，孩子的剧情表演能力，歌唱表演能力等都得到全面发展，这样一来能够全面培养孩子的表演体系。在编导的过程中，教师要让孩子参与编排过程，而不是简单反复地训练孩子。例如：在表演音乐剧《龟兔赛跑》中，让幼儿听一段小兔的音乐，时间在一分钟左右，要求幼儿根据小兔音乐用不同方法从教室的一端到达教室的另一端，尽量不重复别人的方法。又如：在幼儿园大班的以此编导尝试过程中，我们班的两个男孩子自己设计了一个音乐剧，报幕、旁白、狮王、狮后、大象侍卫等都由这两位自己表演，演绎了一场两个人的音乐剧——《动物狂欢节》，让我感动，其实放手让孩子去做是对的，因为孩子天生就是一个戏剧天才，他们从小就喜欢模仿大人，教师只要简单指点，加入他们学过的歌曲，在恰当地时机一演唱，效果十分理想。

3.乐器表演，实现想象表演

教师还可以设立“乐器角”在幼儿学会了音乐内容之后，教师可以鼓励孩子们自己选择乐器，随着音乐进行表演。例如：教学《铃儿响叮当》时，教师发给学生串铃、小鼓，老师请幼儿听听串铃的声音，然后小鼓和串铃交替演奏，让幼儿体会大鼓与串铃的力度变化和音色变化，拿串铃和大鼓表演这首歌的内容，感受音乐节奏。另外，教师可以和幼儿一起制作各种简单的打击乐器，教给幼儿演奏的方法。

上文是笔者总结多年的一线教学实践对如何进行幼儿音乐表演能力培养进行的讨论与分析。总而言之，幼儿音乐表演能力的培养至关重要，在具体的培养训练过程中我们要切实分析学生的实际认知规律，设置有针对性的教学方案，要积极以动作训练，故事表演训练和乐曲训练等多种途径鼓励学生自主展现对音乐的理解，形成表演积极性和基本表演能力。

参考文献：

杨立梅.幼儿音乐能力培养的策略与方法[M].教育科学出版社，2007-06.

（作者单位 广东省江门市培英实验幼儿园）

浅论音乐舞台表演能力培养 第7篇

关键词：音乐舞台表演,艺术实践,作品诠释,表演风格

音乐舞台表演, 是在音乐艺术实践中将音乐创作与作品欣赏衔接的桥梁, 是音乐作品从平面形态变为时空形态的具体技术过程。也是音乐表演者的音乐表演能力的实践展现。良好的音乐舞台表演能力培养包含:

一、技术、技巧是基础

技术、技巧的培养与完善是每个音乐表演者走向成熟的必备条件。如音乐演奏中的唇、手指的协调能力, 又如唱歌中的气息、吐字、共鸣和颤音等技术要领。当音乐表现受技术的局限而不能得到完美表达, 此时提高技术能力, 完善技巧已成为良好音乐舞台表演能力的决先决条件, 也是作品的价值得以实现的必备条件。

如何完善技术、技巧?表演者个体的生理结构总是因人而异, 善学者总会通过观察、思考以及模仿, 发现他人的技巧优势, 并且具体分析这种优势产生的主、客观因素。根据自身现有优势, 寻求相适的技巧发展空间, 形成独特的个人表演风格。并将其灵活应用于各种不同作品之中, 使作品技术处理真正达到炉火纯青的境界。表演者只有具备坚定的意志, 通过不断的揣摩、提炼, 坚持不懈的努力和勤奋好学的精神去拓展视野、突破限制技巧提高的因素, 积极乐观的去解决每一道技术难关。

二、良好心态是支持

表演者在欣赏者的注视之下进行表演, 往往容易产生心跳加速、肌体僵硬、精神紧张甚至手足无措的现象, 即常说的怯场。引起表演者在舞台表演时产生紧张的心理因素是多种多样的, 如生理、技术、舞台经验、场合性因素等。

如何克服怯场?这一点是要从表演者舞台经验来培养, 舞台经验是靠累积而成的, 而累积这种经验的过程, 正是由若干次的舞台表演实践形成的, 有经验的表演者一般情况下不会怯场。多参加舞台表演, 敢于面对欣赏者, 便会逐渐缓解怯场的现象, 当怯场现象缓解后逐渐形成一种兴奋的舞台表演欲。

还有一种情况, 就是有些表演者习惯于将注意力集中在欣赏者身上, 这种人在舞台表演的时候, 心中所想的并不是自己所要表演的作品, 而是欣赏者的反映, 并且这种反映又直接作用到表演者本身, 甚至欣赏者一些不经意的行为就会使表演者误以为是自己的表演出了问题, 技术没有达到想要的反映效果, 而使注意力无法集中, 这样便破坏良好的舞台表演感觉。所以表演者还须注意力集中, 以良好心态来调控肌体的协调, 以一种松而不懈的积极状态, 作为是舞台表演成功的有力支持。

三、恰当的“肢体语言”是表现手段的补充

在音乐舞台表演过程中, 肢体律也是为一种表现手段, 以补充音响之外的音乐表达需要, 我们一般称之为“肢体语言”。恰当的肢体语言通常能够产生特殊的情感表现效果, 它包含了演奏技巧、音响流动方式, 表演者的形体动作等。欣赏者能够从表演者肢体语言里感受到其在表演过程中所出现的感情变化。

音乐舞台表演实践是需要运用最理性的形式表现出最强烈的情感效果。实际表演过程中, 表演者的肢体律动必须给欣赏者恰当的整体印象。但恰当的“肢体语言”一定要根据表演者自身的技巧能力为基础, 表演者所掌握的技术、技巧的展现都已成为一种艺术, 都必须让欣赏者容易理解并接受。

表演者的“肢体语言”体现出的是其内心的对于音乐作品的感悟, 特别是表演者面对的是摄像机而非只有现场观众的时候, 这时表演者所有的动作、眼神, 欣赏者都是看的清清楚楚的。举手投足之间, 欣赏者都能感受到表演者的音乐作品的诠释, 舞台表演能力强弱。在舞台表演中, 表演者的肢体动作只能为舞台表演服务, 为音乐作品的情感服务, 同时也是在为欣赏者的审美需求服务。

四、合理情感与理性投入

人们通常习惯于将音乐表达与感情投入相互联系, 作为音乐的舞台表演的确需要投入丰富的情感, 表演者们一直都热衷于探求音乐舞台表演中的情感处理, 对于音乐作品中产生感情诠释是绝对必要的。但在音乐舞台表演过程中, 表演者始终不能失去“自我”, 需要保有自合理情感与理性投入。如一个表演者, 在演唱时太过投入于作品表达的内容, 从而造成声音的支持不足, 气息失控。即使欣赏者是可以理解的, 而且虽然感情成分看似充分, 但却失去了作品的完整性。造成过犹不及的后果。又如在表演某部音乐作品时, 其中包含着人生的悲欢离合、苦辣酸甜。但凡表演过这部作品的表演者们, 对于这部作品含义都进行了深入的分析、了解, 也投入了充沛的感情, 但是没有一个像欣赏过这部作品的欣赏者们那样感同身受, 热泪盈眶。因为他们在投入情感的过程中一直保持合理的状态, 以理性的表达控制着音乐的走向。如果他们也失声痛哭, 那么, 他们的技术便会失控, 音乐感观会受到极大的影响, 倘若情绪再不能得到控制, 表演将如何继续下去, 欣赏者们还怎么欣赏呢?

当然, 表演者如果太注重理性, 欣赏者所欣赏到的音乐作品便会成为一副躯壳, 单调而机械, 欣赏者们什么也感受不到, 还不如看看作品的原谱, 况且还能顺着强弱记号、表情术语、速度标识来进行想象。可见音乐舞台表演中感性与理性是相辅相成, 缺一不可的。

不同表演者个体对于情感和理性总是会有许多差异, 这些差异是由于每个个体的生活环境、成长环境、社会阅历等的不同而各有所长, 所以对于音乐作品的体验、感悟的侧重点也大相径庭。作为表演者, 应当依据自身的生理、个性、生活经历等, 选择适合于自己风格的音乐作品来作为自己的舞台表演侧重。这样, 音乐情感的体会便会更细腻、内容的表达才能更准确、音乐思想的传达才能更全面, 使表现的音乐更加悦耳动听、深入人心。

五、综合素质的提高才能对音乐作品客观的诠释

浅析舞蹈表演中的控制能力 第8篇

(一)舞蹈演员对肢体动作的控制

每一个舞蹈作品都需要通过舞蹈演员对肢体的控制来完成。演员的肢体动作是第一时间进入观众视线的,在舞蹈表演过程中演员的肢体控制能力的强弱直接影响着作品的美感。笔者认为要掌握对肢体的控制,必须掌握以下两点:其一,舞蹈线路的控制。不同类型的作品舞蹈线路也是不同的,以中国古典舞、芭蕾舞为例,中国古典舞的舞蹈线路控制多以圆为核心;而芭蕾舞则以直线为主。一名优秀的舞蹈演员不仅需要有效掌握控制舞蹈路线的方法,还需要提升舞蹈演员对舞蹈线路控制的准确度。一定程度上来说,舞蹈演员对舞蹈线路的控制是其完美呈现舞蹈作品的基础。其二,肢体力度、速度的控制。在既定的舞蹈线路前提下,舞蹈演员对肢体力度、速度的控制直接影响着舞蹈动作的质感,而舞蹈演员的肢体力度和速度的差异也影响着舞蹈作品意境的表达以及表演效果的呈现。

(二)舞蹈演员对气息的控制

舞蹈演员在表演过程中对气息的控制,直接影响着舞蹈表演效果的呈现。舞蹈演员对气息的控制与肢体的控制有着紧密的联系,气息控制得当,会使得舞蹈演员肢体动作更为流畅、更富有活力。舞蹈表演中往往会出现连绵不断的动作处理或戛然而止的动作定格静止瞬间。要将舞蹈作品的意境完美呈现,在肢体动作处理上气息的控制就显得格外重要,只有将气息的控制与肢体动作的控制完美结合,才能使舞蹈作品所蕴含的思想、情感得到完美表达。气息是链接肢体语言与内心语言的桥梁,它扮演着一个平衡器的角色,在这两者之间来回游走,是让舞蹈表演具有生命力的重要保证。一般来说气息都是先于动作的,利用气息去带动身体,然后再通过肢体动作去诠释舞蹈艺术。表演者不仅要懂得如何控制气息与肢体动作之间的配合,也要掌握与外部形态相结合的方法,去感受身体的内外空间之间存在的关系,将两者结合起来,使舞蹈艺术更具吸引力和感染力。

二、舞蹈演员对情绪和情感的控制

舞蹈表演实质是一个塑造舞蹈形象、舞蹈角色的过程,而舞蹈演员对情感、情绪的控制程度直接影响着舞蹈形象所需表达的情感及思想内涵的传递。舞蹈表演是演员将自己的肢体语言与内心情感结合在一起来表达情绪情感的,对于一名优秀的舞蹈演员来说其必须具备控制情绪和情感的能力,促使演员在表演过程中能更好融入到表演角色中去。舞蹈演员在表演过程中所处环境都是假定的,要通过肢体语言来传递舞蹈形象的情感、思想,使舞蹈表演具有感染力,引起观众内心的共鸣,必须要在假定的环境中做出符合情绪的肢体语言,因此笔者认为需要做到以下两点:首先是建立体验情感的积极性,舞蹈作品中不同角色有着不同的情感,表演者需明白作品情感方向并与将自身体验结合起来去培养情绪,通过不断积累,提升舞蹈演员对作品中角色的情感的控制能力。其次是换位思考,将自己转化成作品中的角色,通过在假定环境中的体验角色情感从而使演员更好的理解作品的中心思想和情感,在通过肢体语言去表达会显得更加真实和更具感染力。

三、舞蹈演员对音乐氛围的控制

(一)在音乐、节奏方面的控制

舞蹈表演离不开音乐的配合,在舞蹈表演过程中对音乐的控制主要体现在表演节奏的控制。节奏有多种形态,如:流畅、停顿、跳跃、平稳、凝滞等,每一种节奏形态都在传递一种情绪、情感,因此,节奏是传递情感的最直接而且最有力的媒介。要使得舞蹈表演节奏与音乐之间和谐一致,则必须使肢体动作的节奏与音乐所给予的空间以及作品所需表达的情感内涵进行紧密结合,才能真正的呈现给观众以完美的视觉体验和情感体验。

(二)演员气场的控制

演员的气场是演员自身综合素质的体现,是演员在表演过程中所散发出的魅力,是观众可以直接感受到的。一般来说表演经历越多表演经验丰富的演员气场越强。当然舞蹈演员的气场也是在日积月累的训练中的得以提升的。笔者认为舞蹈演员要较好的控制气场,需要以下三个方面为基础:其一,纯熟准确的舞蹈动作技术,不仅要求演员自身对舞蹈作品有一个较为深入的认识和理解,还需要娴熟准确的舞蹈动作技术的支持。其二,舞蹈演员需要具备良好的心理素质,演员需要有着充分的自信才能在舞台上不紧张,不怯场。其三,舞蹈演员需要具备良好的台风。良好的台风是需要长时间的训练和积累的结果,是需要感受演员自身与观众以及剧场的微妙关系,根据实际情况控制自己的表演,展现出较强的表演气场,吸引观众眼球。进而使舞蹈作品在舞台上展现出最佳的表演效果。

参考文献

[1]刘芳,丁元英.拉丁舞伦巴中的控制能力及培养[J].体育师友,2009,06.

[2]张祎.舞蹈演员的表演控制能力问题再探析[J].大众文艺,2016,15.

培养音乐表演能力问题的思考 第9篇

(一) 音乐表演氛围对激发表演者欲望的重要作用

相比表演效果, 演员对于表演的欲望强烈与否是十分关键和重要的, 表演者的表演欲望是对现场表演氛围的渴求, 同时也是对表演认知度的一种渴求。表演者在音乐表演的过程当中, 作为策划者和导演, 总是试图营造出一种轻松、民主、愉快、自由的基础表演氛围, 这种基础表演氛围使得演奏者能够在音乐表演过程中有种身临其境的感觉, 这样表演者就将角色和自身融合在一起, 并能积极主动地参与到角色的演出当。在表演现场, 当表演氛围达到甚至有时超越了表演者最初的心里预期的时候, 将会充分表现自我和超越自我, 最终在很大程度上激发出表演者的潜在能力。因此, 我们讲表演氛围很重要, 在基础分为基础上, 表演者营造出的氛围, 观众给予热烈的回应, 二者相辅相成所凝成的气氛互动合作、融合、发挥, 从而在更大程度上激发出演员的表演欲望, 最终将现场表演气氛达到高潮。

(二) 表演平台对于音乐表演者的重要意义

课堂作为音乐表演者的第一个舞台。当表演者具备了表演能力、有自信信心和以后, 更加急切需要适当舞台来展现自己。而对于有才华的表演者, 过小的舞台能够消耗和埋没掉演员的信心和创造力;反之, 在能力和时机不够成熟时, 给予演员一个过大的舞台, 则会极易伤害到表演者的信心和自尊心。所以在要文艺活动中多加磨练自己, 既能够增加表演者的亲身经历;又能够为日后的表演奠定基础。

二、提高音乐表演能力的途径

(一) 鼓励激发学生的表演热情

总所周知, 音乐表演需要表演者与作品进行感情交流, 需要表演者的真诚投入, 因此对于音乐表演的教学时, 一定要让学生真心和全心投入表演当中, 不能变成一味地技术的展示, 也不能变成被动的表演。所以在课堂教学中, 传授者要多运用特别的方法, 比如用激励性的神态、话语和动作, 去感染每一位学生, 进而激发学生们的表演激情和热情。

(二) 合作的方式提高表演水平

师生合作在音乐教学中是一种常见的学习方式。因此在学生表演时, 教师完全可以放开拘束, 要甘愿充当学生的“临时演员”, 并可以和学生一起表演, 一起唱, 一起跳, 比如为学生的深情演唱献上一段优美的舞蹈, 也可以与学生合作演唱一首新曲子, 还可以是师生互动进行一次游戏, 甚至是为学生的表演进行一段伴奏。营造出和谐并热烈的课堂气氛, 表演的学生充满信心, 而欣赏的同学也是兴致勃勃。通过这种方式, 学生参与表演的欲望也会越来越强烈, 同时他们也可以在观察老师的表演中将自身的表演水平和技巧得到不断的提高。

表演氛围使得演奏者能够在音乐表演过程中有种身临其境的感觉, 这样表演者就将角色和自身融合在一起, 并能积极主动地参与到角色的演出当。在表演现场, 当表演氛围达到甚至有时超越了表演者最初的心里预期的时候, 将会充分表现自我和超越自我, 最终在很大程度上激发出表演者的潜在能力。

(三) 充分利用课堂教学

学生进行艺术体验的最佳过程是音乐课堂的教学过程。作为教师要充分利用好课堂时间, 让学生在不断参与表演的自身体验过程中, 进而提高表演能力, 并进行审美熏陶。在音乐课中, 教师要多为学生提供表演的机会, 以次让学生经常保持对音乐的美好感受, 在课堂教学中不要一味地进行教师示范, 而是要搭建学生表演的平台, 让更多的孩子参与到表演当中去, 去发现表演的奥。

(四) 积极创设课外的表演活动

音乐课外活动作为音乐教学课后的拓展, 对学生表演能力提升具有非常重要的作用。例如每年的国庆节、儿童节文娱活动等学校举办的常规性活动, 我们还可以从学生的需求和发展角度出发, 搭建各式各样的表演平台, 比如定期组织“小擂台”, 邀请家长观看指导结合艺术社团活动, 结合家长开放日, 组织文艺汇演、宣传等形式的表演平台, 尽力给学生提供参加表演的舞台, 让学生的兴趣、爱好、特长得到更好的展示和发挥, 也让他们得到来自更多层面的鼓励和掌声, 尽可能充分挖掘学生的艺术表演潜力。音乐表演也不是纯粹的技术展示, 而是学生自身情感与音乐作品之间的心灵相通, 这就要求我们必须注重表演者的能力培养。

三、结论

音乐作品呈现离不开表演者进行的二度创作, 音乐表演也不是纯粹的技术展示, 而是学生自身情感与音乐作品之间心灵相通, 这就要求我们必须注重表演者的能力培养。在音乐的教学过程中注重激励与合作、搭建表演的平台, 注重对表演者进行科学评价, 是提高学生的表演能力的重要途径。

参考文献

[1]郭声健.艺术教育—基础教育新概念[M].北京:教育科学出版社, 2001.

[2]钱初熹.当代发达国家艺术教育理论与实践 (第1版) [M].上海:华东师范大学出版社, 2010.

[3] (德) 克莱南.金经言译.音乐教育学与音乐社会学 (第1版) [M].北京:中央音乐学院出版社, 2008.

谈声乐表演中演唱能力的创新 第10篇

一、演唱能力的创新

演唱能力的创新,包括下列几项重要内容:

(一)高度重视演唱能力创新的重要性。演唱能力是声乐专业教学中的核心能力与最大能力。而声乐演唱的生命与灵魂,正在于创新。声乐演唱不是鹦鹉学舌,而是创新。虽然初始阶段有一定的模仿,但那只是手段而不是目的,只是过程而不是结果。古今中外一切有成就的歌唱家,无不在继承前人的基础上敢于创新,形成自己独特的艺术风格。

(二)掌握演唱能力创新的要素。演唱能力的创新,由下列几大要素构成:

其一是演唱技巧的创新。技巧是技术达到巧妙程度的标志,它以纯熟的演唱技术为基础,又是这些演唱技术的升华与提高。演唱技巧又包括:整体布局技巧(包括歌曲的整体艺术处理、演唱的情感基调、风格特点、演唱者的身份、作品的情境与意境、结构的处理方法、伴奏的合作等等)、对比技巧(形式结构上的对比、情感内容上的对比,诸如虚与实、轻与重、徐与疾、明与暗、浅与深、强与弱、隐与显、抑与扬、顿与挫、含与露等等的对比)、夸张技巧(节奏的夸张、力度的夸张、速度的夸张等)、高潮技巧(以延长时值、加强力度等突出歌曲的高潮)。

其二是情感表达的创新。包括运用旋律表达情感、运用节奏表达情感、运用音色表达情感、运用速度表达情感、运用力度表达情感、运用调式表达情感、运用调性表达情感、运用语言表达情感、运用装饰音表达情感等等。

其三是形象塑造的创新。形象塑造对于声乐演唱而言,是通过自己的歌唱与表演,充分调动受众(听众、观众)的联想与想像,形成一种视觉形象。匈牙利作曲家、钢琴家李斯特指出:“视觉这个永远在积极活动的器官,能把音响中产生的形象加以巩固和保持,随着音乐的进展,使它的轮廓变得愈来愈明确。”我国现代著名诗人闻一多也指出:“我们中国人鉴赏文艺的时候,至少有一半印象是要靠眼睛来传达的。”俗话说:“耳听为虚,眼见为实。”这些说法都是有道理的。当然,歌唱者要使受众形成想像中的视觉形象,自己首先必须有“内心视像”。

其四是风格表现的创新。三大乐派各有各的不同艺术风格,同一乐派的不同曲目,也有不同的艺术风格,一定要强化每一首歌曲艺术风格的独特表现。

其五是个性特点的创新。同一乐派、同一首艺术风格的歌曲,不同歌唱者也应当有不同的个性特点。例如同是美声乐派,“世界三大歌王”——帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯,演唱同一首歌曲——歌剧《茶花女》中阿尔弗莱德的咏叹调《饮酒歌》,就各有不同的个性特点:帕瓦罗蒂的个性特点是气势磅礴、高亢激越;多明戈的个性特点是热情澎湃、清脆流畅;卡雷拉斯的个性特点是冷竣清新、自由舒放。

其六是综合表演的创新。综合表演包括演唱者的重要表演要素:艺术气质(沉稳、庄重、文雅、秀美等气质)、艺术风度(潇洒、大方、自然等风度)、台风(歌唱者在舞台上的作风与风度)、台缘(舞台上的人缘)、表情、手势、身段、台步等等。例如同是民族乐派的歌唱家,宋祖英的综合表演就温柔甜美、亲和力强;彭丽媛的综合表演就大气厚重、震撼力大。如此等等,不胜枚举。

总而言之,高校声乐教学内容系统的创新,是多方面的,其中重点有二:一是教材的创新,一定要编写出创新型、自主型新教材,并在教学曲目的选用上,突出创作上与演唱上都含有丰富创新量的歌曲,以有利于培养创新型声乐人才;二是要以视唱练耳课为中心,注重实效。

二、发声能力的创新

发声能力的创新,主要有下列几点:

(一)声部确定的科学性。声部是根据人声的特点与嗓音条件而划分的声音类别。总的分为男声、女声、童声三大类。男声与女声又各分为高音、中音、低音三类,并可再细分为大号、中号、小号等等。声部的确定,直接关系到学生的主攻方向与专业前途。声部的确定方法至关重要,其中主要有音域划分法、声区划分法、生理划分法等。其中最科学的是生理划分法。众所周知,声乐是以歌唱者本身作为“人体乐器”,以声带作为发声“簧片”的音乐艺术,因此声带自然成为确定声部的重要物质依据。也就是说,每个人声带的长短、厚薄、宽窄的不同,决定了其声部的不同。声带愈长、愈宽、愈厚,声音就愈低;声带愈短、愈窄、愈薄,声音就愈高。

(二)声类确定的科学性。声类是在每一个声部中划分的不同嗓音类型,最科学的划分方法,是音色特征划分法。所谓“音色”,指每个歌唱者发出的声音所具有的个性特色。不同的音色适合演唱不同的曲目,所以声类的确定,也关系到学生的声乐前途与艺术生命。

(三)声性运用的科学性。声性即声音的性质,以声带的机能与振动方式来划分,分为三种:第一种是真声,又叫“大嗓”、“大本嗓”。这是声带的重机能运动所发出的声音,即甲肌收缩使声带变厚,声门紧闭,形成声带的全部振动所发出的声音。其声音的特点是结实、明亮、浑厚、刚毅。第二种是假声,又叫“小嗓”。这是声带轻机能运动所发出的声音,是环甲肌收缩使声带变薄,声门半闭,形成声带边缘部分(局部)振动所发出的声音。其声音的特点是柔和、圆润、纤细、轻盈。第三种是混合声。即真声与假声的有机结合,形成一个完整的歌声体系。有以真声为主、假声为辅的混合法,也有以假声为主、真声为辅的混合法,还有真假声并重的混合法。具体运用要根据歌唱者的嗓音条件、声音特点、不同曲目、不同声乐流派而定。正如著名声乐教育家沈湘教授所指出的那样:“好的声音就是真假声的比例合适,以真假声的比例来决定唱法的不同。”

(四)起音发声的科学性。起音又叫“始音”、“起首”、“激起”,顾名思义,它指的是歌唱发声时每一个乐句开头的第一个音。起音是歌唱者的喉部声门从未发声的状态转变为发声状态的瞬间所采用的方法。俗话说:“良好的开端是成功的一半。”歌唱起音的好坏,也决定着整个演唱的优劣成败。起音的科学性主要体现在三个方面:

其一是分清起音的种类。起音有硬起音、软起音、缓起音三种,各有不同的特点与功能,要全面把握。

其二是起音的要点。起音时气息要平滑均匀,声带要闭合挡气,吸气的同时要打开喉咙,声音的位置要准确,要有明确的共鸣焦点与声音的高位置。

表演能力 第11篇

关键词：师范院校 声乐表演能力 音乐

为了给国家提供专业的音乐人才，广大高校在音乐教育方面肩负着巨大的责任。声乐是一门表演艺术，不仅要求学生掌握最基本的发声技术，还要改变传统的教学方法来培养学生的声乐表演能力，通过学生的声乐表演可以充分阐述音乐作品中的美。

一、声乐表演能力

声乐演唱中表演能力占据着重要的地位，是音乐教育中的主要培养导向。在师范院校中的音乐声乐表演是一项有目的性、有针对性的训练，并通过训练使学生可以富有感情地神形兼备地进行声乐作品演唱。在这里的声乐表演不仅仅是对作品进行演唱，而是在演唱的过程中对音乐作品想要表达的内容进行有感情的表达，其中掺杂着对音乐的理解能力和表演能力。但是对于目前的师范院校声乐表演课程中，只是单纯的对学生进行声音上的培养，并没有真正针对表演进行训练，还有其他一系列的问题存在，解决这些问题刻不容缓。

二、对师范院校中声乐表演能力现状进行分析

师范院校在声乐课堂教育方面上忽视对发声技术的讲解。发音是声乐课堂上最基本的技术，发声一方面受先天良好嗓音的影响外受后天教育的影响也是较大的。在师范院校的声乐课堂中很多声乐教学方法比较落后，相当大部分采用的还是传统的教学方式，这种教学方式只重视对声乐的理论知识的掌握，未能真正根据学生的现状改变相应的教学模式，忽视学生对发声技术的掌握情况，并且忽视对发声技术的讲解，导致学生难以突破发声的局限，难于把握全方位的发声技巧。

师范院校音乐教育的培养目标存在偏差。师范院校音乐教育的培养目标决定了培养学生的声乐表演能力，师范院校如果只是单纯的培养学生的发声，那么将导致表演难以与发声相结合，师范院校培养的音乐师范生都将是面对中小学生进行音乐教育，师范生今后的课堂表演是吸引学生音乐兴趣的重要技能，但是目前师范院校在确定培养目标时，并未把培养音乐师范生的表演技术列为重点，这样的目标偏差很难以全方位的培养音乐师范生，很难于为祖国培养优秀的音乐教师人才。

师范院校在声乐实际表演上存在不足。师范院校教音乐类师范学生专业的音乐知识外，更大部分是教音乐师范生面临今后的教学生涯如何更好的与学生相处以及教音乐师范生如何遵守教师的职业规范，这些都是泛泛的教学。师范院校在声乐实际表演上存在不足，目前师范院校完全忽视音乐师范生在今后音乐教学中的实际声乐表演，并没有意识到只有在表演过程中才能真正评价表演者是否具备声乐表演才能。

三、师范院校提高学生的声乐表演能力的训练方式

（一）师范院校应该针对声乐表演能力的基本要素进行训练

声乐表演能力的基本要素包括扎实的发音技术以及协调的肢体动作。首先注重好学生气息的调节，其次着重练习音乐师范生的咬字吐字，最后注意培养音乐师范生歌唱的共鸣技巧，这里的共鸣指的是声音与共鸣空提接触后差生的共振现象。在这些基础上注重音乐师范生的面部表情、体态特征以及手势动作，建立音乐师范生良好的发声规律以及协调的肢体动作。

（二）师范院校应该注重学生在讲台上的训练

高校声乐教学不能够只停留在声音阶段，就会使学生在学习过程中只学到发声技术对于舞台表演，相对的表演能力就较差。应该注重培养学生对讲台的掌握程度，音乐师范生面对的是中小学生，因此如何才能保证课堂的有效进行，首先要熟悉音乐教学模式，了解教学任务，其次准备好课堂讲授的过程，要想保证好这个过程就必须在讲台上进行到位的训练。这些都是一堂好的音乐课所必须的准备的。

（三）师范院校应该注重扩展音乐师范生多语言声乐表演能力

教师是人类灵魂的工程师，培养高校教师音乐教育专业学生声乐表演能力是高校在音乐教学中必不可少的课程教育。孩子是祖国的未来，祖国的未来需要具有合格的声乐教学能力的师资人才，对于未来的音乐教师来讲不能单纯的只具备中文歌曲的声乐表演技能，还要掌握多国的语言演唱方式，这就需要师范院校注重扩展音乐师范生多语言声乐表演能力，这包括对歌词大意的了解以及朗读训练。不理解歌词就难以有感情的对歌曲进行声乐表演，歌词的每一个字都包含着作者的深情情感，这也要求音乐师范生对歌词进行全方位的分析与研究，这不仅是师范院校的责任也是音乐师范生的自身应该完成的音乐学习任务范围。

（四）师范院校制定好学生的表演艺术训练

所谓良好的声乐表演指的是美妙的演唱以及到位的表演，两者是相互关联的。艺术是源于生活而且是高于生活的，表演是音乐师范生获得良好的声乐表演效果的基础，想要完成好声乐作品对于生活再现的训练是必不可少的。师范院校应该在教学方式上增加音乐师范生的形体基础课程，制定好学生的表演艺术训练，积极的鼓励音乐师范生参加音乐艺术实践活动，并且为音乐师范生提供宽阔的歌剧、音乐剧的排练场地，让音乐师范生在进行排练的过程中学会观察和感悟生活。

四、结语

我国音乐中的声乐表演不仅向人们传递着现代化和个性化信息时代的文化发展要求，而且还对我国音乐文化的发展产生着深远的影响。师范院校本身作为培养教师人才的院校，应该更加对师范学生进行专业的培养，在音乐方面，如果不能很好的对音乐师范生的声乐表演进行培养，将降低音乐师范生的专业水平，难以担当下一任声乐教师的职位，对下一代的影响将是巨大的，会严重的阻碍音乐中声乐表演能力的提高，还会进一步阻碍我国音乐的发展。

参考文献：

[1]王英格正确培养高师音教专业学生的声乐表演能力[J].黄河之声，2012，（05）.

[2]韦桂喜.声乐教学中表演能力的培养[J].大舞台，2013，（02）.

表演能力 第12篇

《幼儿园教育指导纲要 (试行) 》指出：教师要根据幼儿的兴趣、爱好、需要和发展水平，将周围的自然环境、社会环境、人文环境作为促进幼儿发展的重要资源。也就是说幼儿园应充分利用这些资源，扩展幼儿生活与学习的空间，为幼儿寻找、挖掘表演唱的题材，引导他们去发现、感知、探索感兴趣的自然资源，激发幼儿进行表演唱的兴趣和求知欲。作为农村幼儿园，如何充分利用农村自然资源，培养小班幼儿在表演唱中的表演能力呢？笔者进行了如下尝试。

一、从农村自然资源中寻找表演唱的题材

陈鹤琴先生曾说过：“大自然、大社会是活教材。”我们幼儿园地处农村，有着丰富的自然资源，利用农村自然资源对幼儿进行教育是我们的有利条件。笔者在和幼儿的朝夕相处中，发现他们总是对大自然充满着好奇和惊喜，比如各种动物的叫声与形态、千奇百怪的自然现象，同时各种农村的风土人情也强烈地吸引着他们。孩子们不仅从中开阔了视野，也积累了一定的生活经验。为了让这些生活经验更好地得到发挥和延续，笔者就地取材，从农村自然资源中寻找进行表演唱的题材，培养小班幼儿的表演能力。

1. 从自然资源中寻找幼儿感兴趣的事物

幼儿感兴趣的事物表现在他们的“童言稚语”中。在日常生活中，一些成人看来很小的事物也会引起幼儿的好奇与兴趣，幼儿会用自己的理解来表达想法，这时我们教师要用心倾听，及时抓住他们感兴趣的事物，并展开交流讨论，为以后的表演唱作铺垫。

在一次户外活动中，孩子们忽然都围在一起，叽叽喳喳地争论着什么，原来是成群的蚂蚁在搬家，幼儿被吸引，在讨论蚂蚁们奇怪的动作。有的说：“蚂蚁在排队呢。”有的说：“蚂蚁的力气好大啊！”笔者忽然想到，下个星期正好有一节表演唱课《蚂蚁搬豆》，就趁热打铁，随即引导幼儿观察蚂蚁身体的组成部分、蚂蚁排队爬行的样子、蚂蚁搬东西时的各种样子、蚂蚁不动的时候是什么样子等。经过几天的跟踪观察，说起蚂蚁，每个人都能津津有味地说出好几种蚂蚁的动作形态，躺着的，爬着的，钻洞的，吃东西的……在《蚂蚁搬豆》的表演唱课中，看着幼儿惟妙惟肖地做着各种动作，笔者心里特别高兴。通过让幼儿自己发现、积极探索、大胆体验、自由表达的表演活动，使孩子们感受到了表演的无穷乐趣，也提高了活动的整体效益。

2. 从自然资源中选择和投放适宜的道具

选择和投放适宜的道具也是创造良好教学环境必不可少的部分。投放适宜的道具，不但有利于幼儿迅速地融入剧情，也为他们分析歌词、进行表演做了良好的铺垫。如在教学活动“红苹果”中，笔者为幼儿提供了可以粘贴的苹果树、与之匹配的红苹果、摘果子的草帽等道具，这些道具适时出现后，孩子们马上就明白自己要做果园的果农了，要去摘苹果了，顿时果园里一片繁忙的景象，“果农”十分开心，带着高涨的情绪融入了音乐表演中。

3. 从自然资源中发现幼儿喜欢探求的材料

幼儿年龄小，自我控制能力差，他们往往只会凭兴趣或某些表面现象去观察对象。所以，我们要从自然资源中选择一些孩子喜欢探求的材料，激发幼儿去探索表演唱的内容。一次户外活动时，天天小朋友对着远处的山左看右看，不停地做着各种各样的动作，引来了几个好奇的孩子。看到这一情景，笔者得到了一点启示：自然景观就是艺术品，是孩子喜欢探求的材料。于是引导他们观察：说说你看见的山像什么？他们很有兴趣地观察着，想象着，有的说像松子，有的说像熊猫头，有的说像仙女等。在这基础上，笔者再次引导幼儿根据自己的想象进行动作表演，这样，孩子们的兴趣更高，有的会说：“老师，那座山像小猪。噜噜！”“老师，那座山好像心一样！”……于是，笔者让大家互相表演给同伴看，通过互相表演，不仅丰富了幼儿表演唱的素材，同时也使同伴间的交往能力得到了进一步的提升。

二、充分利用农村自然资源进行表演活动

在表演唱的教学中，能够运用幼儿的生活经验开展活动是关键。幼儿对农村自然资源，如动物、植物、自然现象等有着积极的认知经验，着为幼儿进行表演奠定坚实的基础。

1. 利用动物的各种形态进行表演

在农村，家家户户，村里村外，山上天空，只要能看见的地方都会有小动物的足迹。高空飞翔的老鹰，叽叽喳喳的麻雀，汪汪追逐的小狗，上下乱窜的小花猫，游来游去的鱼儿……孩子生活在一个生机勃勃的世界里。他们喜欢小动物，善待小动物，更喜欢模仿小动物的叫声、动作、形态，这为幼儿进行表演唱提供了丰富的素材。幼儿园前面有一条小河，成群的鸭子在水中嬉戏，幼儿每天都能和鸭子玩耍一会儿。在表演唱《白胖鸭》中，一听到音乐，幼儿就已经按捺不住跟着做起动作来了，胳膊摆在两边当翅膀，屁股也一扭一扭的，表演起来惟妙惟肖。

2. 利用植物的各种形态进行表演

在音乐活动中，经常用一些植物做成简单乐器，进行演奏。草叶、杏核能吹响，木棍、葫芦等能击打，在表演唱中，植物也为幼儿的表演发挥了重要的作用。在表演唱《大树妈妈》中，由于幼儿对大树的形态已有经验，很快就能摆出各种造型，如松树的、梨树的、柳树的及静止的树、大风刮的树等各种形态，在幼儿的表演中显得活灵活现。

3. 利用自然界中各种声音和现象进行表演

只有让幼儿亲近大自然，他们才会喜欢大自然，眷恋大自然。大自然中充满着神奇的自然现象，大自然就是他们最好的课堂。刮风了，下雨了，小河哗哗流，屋檐流水滴答滴答……任何一种自然现象，只要幼儿观察到的，就能让幼儿感受到大自然的美，使之成为幼儿模仿的对象，为表演提供素材，培养幼儿的表演能力。

三、家园合作，人文资源给孩子提供更多的表演空间

幼儿园不是孩子唯一的活动场所，充分发动家长，共同为幼儿的表演创设有利的机会，这也是提高幼儿表演能力的有效途径。在春节等重大节日时，村里都会组织隆重的走会活动，幼儿家长即使没有参加表演，在耳濡目染中也会听着音乐走几步秧歌，耍两下狮子，这些人文资源如果得到充分的利用，幼儿的表演能力也将得到进一步的提高。笔者鼓励家长带着孩子外出，多看、多听，给孩子积累更多的生活经验与表演素材，向会扭秧歌、划旱船的人去请教，在学习中不仅愉悦身心，增进亲情，更能让幼儿增强表演的乐趣，积累表演的素材，从而能进行农村文化表演。小班幼儿的协调能力虽然还不是很完善，但是通过学习，幼儿也能进行简单的走步，舞动。我们还让家长来幼儿园进行交流，既可让家长了解自己孩子的表演能力，又可满足每个幼儿表演的愿望。同时，教师还能了解不同层次的幼儿在表演活动中的能力体现。